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Gesang aufnehmen: Anregungen für gute Gesangsaufnahmen

Wenn Sie Gesang aufnehmen, müssen Sie verschiedene Dinge beachten. Neben dem Mikrofon und anderem Equipment kommt es auch auf die Umgebung und natürlich den Gesang an sich an. Dieser Artikel stellt einige Denkanstöße rund um Gesangsaufnahmen vor.

Das Mikrofon: Das Nadelöhr für jeden Ton

Wenn es darum geht, Gesang aufzunehmen, fällt vielen als Erstes das Mikrofon ein. Ohne ein Mikrofon können Sie Gesang nicht aufnehmen. An dieser Stelle stellt sich jedoch bereits die Frage, wie hoch Sie die Messlatte legen und was Sie später mit den Aufnahmen tun möchten.

Ein gutes Mikrofon, das Aufnahmen in Profi-Qualität ermöglicht, kann sehr teuer sein. Hobbyisten greifen deshalb häufig auf preisgünstigere Alternativen zurück. In Musiker-Foren und entsprechenden Gruppen in sozialen Netzwerken tauschen sich viele Sänger über bestimmte Mikrofone und die Vor- und Nachteile der jeweiligen Modelle aus. Weitere Erfahrungsberichte finden Sie zum Beispiel auf Verkaufsplattformen und Blogs.

Die Umgebung: Räume und Geräusche

Nicht jeder Raum ist ideal, um Gesang aufzunehmen. Manche Zimmer besitzen ein sehr starkes Echo, das bei Gesangsaufnahmen stören kann. Beim Singen können dabei noch einmal andere akustische Effekte auftreten als beim Sprechen in Zimmerlautstärke.

Die Entfernung zum Mikrofon und die Platzierung des Mikrofons im Raum können die Aufnahme ebenfalls beeinflussen. Auch die Geräuschkulisse ist entscheidend: Diese sollte nach Möglichkeit nicht vorhanden sein. Straßengeräusche oder Lärm aus dem Treppenhaus dürfen in der Aufnahme später nicht zu hören sein.

Das Programm: Software für Gesangsaufnahmen

Das Mikrofon schließen Sie heutzutage meistens an einen Computer an. Der Markt für Software für Audioaufnahmen ist bunt. Angesichts der großen Auswahl fällt es insbesondere Anfängern oft schwer, eine Entscheidung zu treffen.

Auch bei diesem Punkt ist entscheidend, wofür Sie den Gesang aufnehmen. Insbesondere für Hobbys und Spaßprojekte bieten einige kostenlose Programme bereits einen guten Funktionsumfang.

Der Gesang: Technik kann nicht alles wettmachen

Wenn Sie bereit sind, viel Geld zu investieren, können Sie mit den heutigen technischen Mitteln viel bearbeiten und korrigieren. Nichtsdestotrotz sollte der Gesang, den Sie aufnehmen, bereits bei der Aufnahme so gut wie möglich sein.

Eine Gesangsaufnahme muss nicht beim ersten Versuch perfekt sein – nehmen Sie sich Zeit, gesangliche und technische Aspekte zu verfeinern, indem Sie mehrere Aufnahmen anfertigen und nur die beste verwenden.

Machen Sie Ihre Musik “Industrie bereit”

In der unabhängigen Welt der Schallplattenherstellung gibt es ein Problem. Es ist zu einfach, ein Album zu machen. Infolgedessen werden viel mehr Alben erstellt, ohne dass Zeit, Team und Ressourcen für eine größere Entfernung erforderlich sind. Und das Leben unzähliger Platten, die es hätten schaffen können, ist verkürzt. Ich meine auf künstlerischer Ebene. Während es viele Künstler gibt, die großartige Platten machen, werden immer mehr Alben gemacht, die immer noch unterdurchschnittlich sind.

Schauen Sie, wir alle wissen, dass Künstler sein ein Glücksspiel ist, das viel Geld kostet, viel Zeit in Anspruch nimmt und viel Pflege erfordert. Es dauert Jahre um Jahre (10+), um ein echter Musiker, Sänger und Songschreiber zu werden, geschweige denn der enorme Aufwand für Aufnahme- und Musikerkosten, geschweige denn die Kosten für Branding und Promotion. Aber wenn Sie es beim Songwriting und bei der Aufnahme nicht richtig verstanden haben, wird Ihre schöne kleine Platte nicht über den Haufen fliegen. Nicht wirklich.

1. Songwriting-Handwerk, das über das hinausgeht

Nehmen Sie keine Songs auf, die nur Sie mögen und verstehen. Ich möchte, dass du dir treu bist, aber nicht unzusammenhängend. Lernen Sie das Handwerk und die Struktur sowie Ihre Wahrheit, so dass Ihre Lieder nicht nur für Sie, sondern für Tausende von Menschen von Bedeutung sind. Um sich als Künstler zu brechen und den Respekt von Industrie und Fans zu erlangen, muss Ihr Songwriting-Handwerk darüber hinausgehen. Niemals mit mittelmäßigen Songs im Radio vergleichen. Ihre müssen besser sein (vor allem, um Sie zu brechen). Sobald Sie an Glaubwürdigkeit gewonnen haben, sind Sie dabei. Aber nicht einen Moment zuvor.

2. Vocals, die abheben und liefern

Zu viele Platten gehen mit unterproduziertem Gesang aus. Es ist ein Problem in der unabhängigen Welt, vor allem, weil die meisten nichts über Vocal-Arranger wissen oder sie nicht einsetzen. Der Vocal Arranger ist dafür verantwortlich, dass der Gesang die Schallplatte liefert. Vocal Arranger sind eine Geheimwaffe der Branche und branchenreife Rekorde. Vocal-Arrangeure bauen die Dynamik des Vocal-Tracks auf. Sie entscheiden über die Phrasierung, die Aussprache, platzieren Ad-libs, Oos und Ahs und helfen dem Sänger dabei, 100-mal besser zu klingen, als sie denken, und ziehen ihren charakteristischen Sound heraus. Es gibt einen Industriestandard und ein großartiger Vocal-Arrangeur wird ihn liefern. Machen Sie keine weitere Aufnahme ohne eine. Erfahren Sie mehr über Vocal Arranger im Kurs Your Exceptional Record. Stellen Sie es sich so vor, Ihre Vocals verkaufen Ihre Schallplatte. Knabbern Sie nicht.

3. Produktion, die innovativ, relevant und verwurzelt ist

Außergewöhnliche Schallplatten haben einen Platz in der Musikgeschichte. Wenn Sie einen musikalischen Eindruck hinterlassen möchten, möchten Sie, dass Ihre Schallplattenproduktion für die aktuellen Ereignisse relevant ist und ihre Wurzeln in der Vergangenheit hat. Musik ist wie Mode mit Stilen, die sich ändern, verschmelzen und innovieren, aber nicht auf Kosten der Vergangenheitsbewältigung oder der Tatsache, dass man heute Menschen verliert. Zum Beispiel haben die meisten britischen Künstler ihre Wurzeln im amerikanischen Blues, aber auf moderne Weise. Alle echte Popmusik kommt von R & B, aber nicht von R & B von heute, R & B aus der Vergangenheit: Rhythmus und Blues. Ich muss diese pentatonischen Skalen lieben!

4. Broadcast Quality Mixing

Ihr Mix ist zweifellos das kritischste Element Ihrer Schallplatte, das den Industriestandard oder die „Sendequalität“ erfüllt. Ein Album, das auf einem Laptop oder einem Mischpult unter dem Standard abgemischt wurde, ist zwar gut (und macht Spaß), bietet jedoch keine Sendequalität. Dies bedeutet, dass die Klangqualität Ihrer Aufnahme Ihre Veröffentlichung beeinträchtigen kann. Ich empfehle zum Beispiel, auf einer Neve-Konsole oder einer Konsole nach dem neuesten Stand der Technik (oder einem virtuellen Äquivalent) zu mischen, um eine bestimmte Klangqualität zu erzielen (wie in Sound Citys Neve, in dem eine Vielzahl von Rockplatten, darunter Foo Fighters, aufgenommen wurden). Ich bin immer noch ein Purist und werde nicht einmal an weniger denken. Wenn Sie im Moment kein Bargeld haben, sparen Sie sich Ihren Cent für eine großartige Mischung. Wenn Ihr Produzent nicht über einen solchen Schreibtisch verfügt, bringen Sie ihn in ein Studio und bringen Sie Ihren Produzenten mit, oder beauftragen Sie einen separaten Mischtechniker. Aber lass dich nicht täuschen, es ist viel wichtiger als du denkst.

5. Mastering der Übertragungsqualität

Mastering ist ein entscheidendes Bindeglied zwischen Produktion und Konsum und setzt als solches technisches Wissen sowie eine spezifische Ästhetik voraus. Die Ergebnisse hängen weiterhin von der Genauigkeit der Lautsprechermonitore und der Hörumgebung ab. Mastering-Ingenieure müssen möglicherweise auch eine korrigierende Entzerrung und dynamische Komprimierung anwenden, um die Klangübersetzung auf allen Wiedergabesystemen zu optimieren. Einige Dinge, auf die Sie achten sollten, sind zu komprimiert (heute sehr beliebt). Eine der Möglichkeiten, die Sie erkennen können, besteht darin, die Lautstärke und die Lautstärke der Vocals zu reduzieren und die Gesamtlautstärke zu erhöhen. Dadurch wird die Verstärkung erhöht und der gesamte Mix lauter. Stellen Sie sicher, dass der Gesang beim Mastering nicht zu stark komprimiert wird.

Bist du bereit für das Studio?

Heute werden mehr Aufzeichnungen gemacht als jemals zuvor. Mit der Leichtigkeit der Technologie ist alles, was Sie (technisch) benötigen, ein iPad und Plugins. Für Musiker und Musikemacher, die ihre Kreativität, künstlerische Kontrolle und den Kampf gegen die großen Jungs verbessert haben.

Das Knifflige ist jedoch, dass es täuschend einfach ist, ein Album oder eine Single aufzunehmen. Das bedeutet jedoch nicht, dass Sie bereit sind. Und das heißt nicht, dass es die Koop fliegen wird. Es gibt einen Prozess, um Musik zu machen, der durch verfügbare Technologie behindert werden kann. Der Prozess des Honens des Materials, die Zusammenarbeit, die beruflichen Perspektiven und das Niveau der Fähigkeiten und Lieder, die unauslöschliche Spuren hinterlassen.

Der Schlüssel zu großartigen Aufnahmen sollte nicht ohne A-List-Songs beginnen. Die beste Produktion der Welt wird den Mangel an großartigem Material nicht ausgleichen. Der einzige Weg, um an das großartige Material zu kommen (abgesehen davon, dass Sie sich in einem Raum einschließen und erst dann herauskommen, wenn Sie eine Schallplatte haben und / oder mit Autoren zusammen schreiben, die besser sind als Sie), besteht darin, eine große Menge an Material zu schreiben. Das Schreiben einer großen Anzahl von Songs zur Auswahl (40-50 für ein Album oder 7-10 Songs für eine Single) ist nicht nur kritisch, sondern auch ein entscheidender Schritt, bevor man überhaupt in Betracht zieht, ins Aufnahmestudio zu gehen.

“Die einzige Möglichkeit, die Lücke zwischen Ihrem Aufenthaltsort und dem, an dem Sie sein möchten, zu schließen, besteht in einem großen Arbeitsvolumen”, sagt der berüchtigte, preisgekrönte Drehbuchautor Ira Glass.

Der Songauswahlprozess ist der Schlüssel hinter den Trefferaufzeichnungen. Dieser Prozess wird so hoch geschätzt, dass Plattenlabels früher ganze Abteilungen damit beschäftigt waren – es heißt A & R (Artist & Repertoire). Wir sind begeistert davon, denn es macht den Unterschied – ein gewaltiger Unterschied.

Hier ein kurzer Überblick über das Songwriting und die Auswahl der Songs:

Schreiben Sie Ihr Gesicht ab. Schreiben Sie so viel wie möglich in einem konzentrierten Zeitraum. Denken Sie daran, dass die meisten Aufzeichnungen 1 bis 2 Jahre benötigen, um das richtige Material zu finden. Schalten Sie alle Ablenkungen aus und planen Sie eine erhebliche Zeit zum Schreiben ein. Als ich The Circle of Fire schrieb, verbrachte ich 1 Jahr lang 7-10 Stunden am Tag, 5 Tage die Woche. Das war eine Überholspur (und ein Luxus.) Wenn Sie diese Zeit nicht haben, strecken Sie sie über 2 Jahre aus und schreiben Sie die Hälfte dieser Zeit. Oder nehmen Sie sich 3 Jahre Zeit, wenn Sie weniger Zeit haben. Fürchte dich nicht vor der Zeit, die du mit Schreiben verbringst – es ist eine Notwendigkeit. Adele hat 4 in ihrer letzten Platte aufgenommen, weil sie ein Kind hatte und nicht so viel Zeit hatte. Trotzdem hat sie den Prozess nicht beschleunigt. Sie weiß, wie wichtig es ist, das richtige Material zu haben.

Nehmen Sie großartige Demos von jedem Song auf (mit stimmigem und überzeugendem Gesang…). Mit Demoing können Sie jeden Song ausspülen, fertigstellen und in einer Reihe neben anderen Songs anhören. Dies ist Teil des Songauswahlprozesses. Und nimm dir immer Zeit, um deine Demos zum rocken zu bringen. Es ist das, was Ihr Produzent und Ihr innerer Kreis hören werden. Wenn Sie sich die Zeit nehmen, um sicher zu sein, dass die Demos auf dem neuesten Stand sind und noch mehr, um wirklich zu rocken, werden Sie sicher sein, dass Sie jedem Song den Titel neben dem anderen geben, den er verdient.

Wenn Sie eine Reihe von Songs gesammelt haben, stellen Sie eine private und vertrauliche Soundcloud zusammen und teilen Sie diese mit Ihrem „inneren Kreis“ von 5-7 Kritikern. Ihr innerer Kreis sollte sich aus Musikprofis zusammensetzen, deren Meinungen Sie respektieren und die ehrlich genug sind, um Ihnen die Wahrheit zu sagen (Freunde und Familie sind keine Kandidaten für den inneren Kreis). Wählen Sie die Top-Songs aus, die auf der ganzen Linie einstimmig gewählt werden.
Test Marketing. Sogar große Künstler testen ihr Material vor der Veröffentlichung. Sie möchten den Sprung nicht wagen, ohne die Temperatur zu testen. Künstler, die mutig genug sind, viel Feedback zu erhalten, machen bessere Platten – vielleicht sogar außergewöhnliche.

Test Nr. 2: Der richtige Produzent

Der nächste Schritt Ihres Lackmus-Tests besteht darin, zweifelsohne absolut sicher zu sein, dass Sie den richtigen Plattenproduzenten für Sie und Ihr Projekt haben.

Ich höre diese Geschichte oft. Ein Künstler arbeitet mit einem lokalen Produzenten oder einem befreundeten Empfehlungsschreiben zusammen, anstatt herauszufinden, wer der beste Produzent für sein Projekt und Budget ist. Als Ergebnis erhalten sie ein mittelmäßiges Projekt, in dem alles gezeigt wird, was der Produzent am besten kann, und nicht das, was Sie am besten können. Recherchiere. Beeil dich nicht Geben Sie sich nicht mit weniger zufrieden. Nehmen Sie nicht die billigste Option. Mach es richtig. Und das versteht sich von selbst, dass Sie NICHT Ihr eigenes Album produzieren? Sie brauchen objektive Ohren, um besser zu sein als Sie.

Test # 3: Ein klar definiertes Genre / Sound & Direction

Einer der größten Fehler, den Künstler während ihrer gesamten Karriere machen (von berühmt bis indisch), sind Entscheidungen über den Sound ihrer nächsten Platte. Ich habe Künstler gesehen, die eine Platte veröffentlicht haben, die einen Hit hatte und kurz davor stand, wirklich groß rauszukommen. Sie haben an Boden verloren, als sie auf ihrer zweiten Platte zu weit in eine andere Richtung gegangen sind und das Publikum verloren haben, das sie zu gewinnen begonnen haben.

Ich habe beobachtet, wie Indie-Künstler sich nicht wirklich mit ihrem Publikum verbanden, weil sie ihren Sound nicht genug definiert hatten und ihre Bemühungen fehlschlugen.

Verbringen Sie Zeit damit, den gewünschten Sound zu beschreiben (und wenn Sie ein ausreichend großes Publikum haben, vergessen Sie nicht, einen Teil des Sounds Ihrer vergangenen Erfolge durchzugehen.)