Skip to main content

Geheimnisse, die Ihre Stimme besser klingen lassen

Als einer der besten Vokaltrainer der Welt höre ich häufig: „Was sind Ihre Top-Vokaltipps für Sänger?“ ​​Nun, ich könnte eine lange Liste streichen und stundenlang jammern. (Ich bin ein Nerd, wenn es um den Gesang geht …) Und ich habe eine lange Liste von Lieblingstricks von mehr als 20 Jahren Sänger-Coaching im Ärmel… Aber ich liebe eine Herausforderung – also tat ich so, als hätte ich nur 5 Minuten um dir meine Top 5 zu sagen und so habe ich mir den Kopf zerbrochen, um die Top 5 zu finden.

Eines der Dinge, die ich meinen Privatkunden ständig beibringe, ist, dass die Stimme ein Instrument in Ihrem Körper ist und Sie lernen müssen, wie man sie verwendet, um das Beste aus ihr herauszuholen. Es ist auf der Grundebene sehr „physisch“. Um eine starke Stimme und stimmliche Konstanz zu haben, müssen Sie bestimmte Dinge wissen und tun. Es gibt einige wirklich einfache Methoden, mit denen Sie im Moment einen großartigen Klang aus Ihrem Instrument herausholen können.

Und die meisten Sänger, auch Profis, wissen nichts davon, es sei denn, sie sind geschult. Die meisten Vokaltrainer kennen sich damit nicht aus.

Also wollte ich sie dir geben, als würde ich dir tatsächlich eine Sprachstunde erteilen, genau hier, genau jetzt. Stelle dich vor einen Spiegel, wenn du kannst, denn ich werde dich bitten, auf deinen Kiefer und deine Kopfhaltung zu achten, um die Bewegung beim Singen zu kontrollieren. Hier sind sie:

Meine Top 5 Geheimnisse, um Ihre Stimme sofort besser klingen zu lassen

1. Der „Instant Vocal Fix“
Dies ist ein schneller Trick, mit dem Sie sofort besser klingen. Sagen Sie A-E-I-O-U (beobachten Sie Ihre Kieferbewegung im Spiegel). Hat sich Ihr Kiefer auf einem der Vokale geschlossen? Die Chancen stehen gut, dass Ihr Kiefer auf dem E und dem U geschlossen ist – und höchstwahrscheinlich auch auf anderen, wenn nicht allen. Nehmen Sie Ihre ersten beiden Finger und ziehen Sie Ihren Kiefer 2 Zoll nach unten (oder noch besser – verwenden Sie einen Plastikflaschenverschluss oder einen Korken (Wein), um Ihren Kiefer zu öffnen). Und wieder die Vokale sprechen. Und noch einmal wiederholen (wir versuchen, das Muskelgedächtnis neu zu programmieren – je mehr desto besser). Singen Sie nun die Vokale auf einer Tonhöhe. A-E-I-O-U. Ihr Ziel ist es, Ihren Kiefer offen zu halten (lange nicht weit), ohne alle Ihre Vokale zu schließen. Wiederholen, bis Sie es tun können. Singen Sie jetzt eine Phrase aus einem Ihrer Lieder – und stellen Sie sicher, dass sich Ihr Kiefer in allen Ihren Vokalen an derselben Position öffnet. Sie müssen dies ein wenig üben, bevor es natürlich wird – aber je mehr Sie tun, desto eher wird diese neue Bewegung in Ihr Muskelgedächtnis programmiert. Und Sie könnten einer der Glücklichen sein, die die Verbesserung des Klangs sofort bemerken (es wird lauter und resonanter mit weniger Stimmbelastung klingen). Wenn Sie nicht – schwitzen Sie nicht – werden Sie. Es braucht nur ein wenig Übung. (Möglicherweise haben Sie unerwünschte Verspannungen in Ihren Nacken-, Kiefer- und Halsmuskeln. Versuchen Sie, diese zu lockern und erneut zu versuchen.) Wenn Sie das nächste Mal Ihren Kiefer mehr an Ihren Vokalen öffnen – ein schneller Trick, mit dem Sie sofort besser klingen!

2. „Nachdenken“ für hohe Noten
Wenn Sie das nächste Mal eine aufsteigende oder eine hohe Tonleiter singen, überlegen Sie sich, wie ein Aufzug funktioniert. Ein schweres Gewicht ist an einer Rolle befestigt, und wenn das Gewicht nach unten gezogen wird, fährt der Aufzug tatsächlich in die höheren Stockwerke. Der höchste Stock ist also erreicht, wenn das Gewicht am höchsten ist. Ebenso sollten Sie sich Ihre hohen Noten überlegen oder darüber nachdenken, Ihren höchsten Noten Gewicht (Widerstand) zu verleihen.

3. Mehr Leistung ohne Anstrengung
Wer will nicht mehr Kraft ohne Anstrengung? Diese Technik ist einfach anzuwenden und etwas einfacher als die oben beschriebene. Alles, was Sie tun müssen, ist, Ihr Kinn leicht nach unten zu richten und Ihre Brustmuskeln leicht zu beugen (manchmal ist es auch sehr gebeugt), wenn Sie mehr Kraft wünschen. Die meisten Sänger reichen nach vorne oder heben ihr Kinn an, um mit mehr Kraft zu singen. Während es vorübergehend funktionieren kann, verursacht es Stimmprobleme. Das Kinn nach unten zu ziehen funktioniert nicht nur besser und schont Ihre Stimme – es KLINGT sogar besser! Stellen Sie sich vor den guten alten Spiegel. Singe eine Ah-Tonleiter hoch und runter in einer Phrase (1-2-3-4-3-2-1). Drücken Sie Ihr Kinn leicht hinein (richten Sie Ihr Kinn auf den Boden) – normalerweise nur 1 Zoll oder so. Lassen Sie Ihren Kopf nicht hochschnellen, wenn Sie die Tonhöhe erhöhen. Halten Sie es fest an Ort und Stelle. Erhöhen Sie die Lautstärke Ihrer Stimme, indem Sie diese Position beibehalten. Beachten Sie, wie sich Ihr Kinn nach oben bewegen will, wenn Sie die Tonhöhe erhöhen. Lass es gepflanzt. Dies gibt Ihnen mehr Kraft und Kontrolle und beseitigt Belastungen. Übe es, bis es natürlich wird!

4. Wie Sie natürliches Vibrato in Ihre Stimme bekommen
Hier ist ein kurzer Tipp, um Ihr Vibrato zum Laufen zu bringen. Stellen Sie sich vor einen Spiegel. Drücken Sie mit beiden Händen auf Ihre Brust und heben Sie dann Ihre Brust höher als normal. Atme ein und dann aus, aber lass deine Brust nicht fallen. Sing eine Note und halte sie so lange wie möglich mit erhobener Brust. Drücken Sie die Brust zur Hälfte durch (drücken Sie etwas fester und heben Sie die Brust, um dem Druck zu begegnen). Entspannen Sie Ihren Nacken und lassen Sie den Kiefer offen, während Sie „ahhh“ singen. Stellen Sie sich vor, die Luft dreht sich in Ihrem Mund, während Sie das Kinn etwas nach unten drücken und die Brust angehoben halten. Denken Sie daran, dass ein übermäßiger Gebrauch von Vibrato in der heutigen Zeit keine gute Sache ist

Machen Sie Ihre Musik „Industrie bereit“

In der unabhängigen Welt der Schallplattenherstellung gibt es ein Problem. Es ist zu einfach, ein Album zu machen. Infolgedessen werden viel mehr Alben erstellt, ohne dass Zeit, Team und Ressourcen für eine größere Entfernung erforderlich sind. Und das Leben unzähliger Platten, die es hätten schaffen können, ist verkürzt. Ich meine auf künstlerischer Ebene. Während es viele Künstler gibt, die großartige Platten machen, werden immer mehr Alben gemacht, die immer noch unterdurchschnittlich sind.

Schauen Sie, wir alle wissen, dass Künstler sein ein Glücksspiel ist, das viel Geld kostet, viel Zeit in Anspruch nimmt und viel Pflege erfordert. Es dauert Jahre um Jahre (10+), um ein echter Musiker, Sänger und Songschreiber zu werden, geschweige denn der enorme Aufwand für Aufnahme- und Musikerkosten, geschweige denn die Kosten für Branding und Promotion. Aber wenn Sie es beim Songwriting und bei der Aufnahme nicht richtig verstanden haben, wird Ihre schöne kleine Platte nicht über den Haufen fliegen. Nicht wirklich.

1. Songwriting-Handwerk, das über das hinausgeht

Nehmen Sie keine Songs auf, die nur Sie mögen und verstehen. Ich möchte, dass du dir treu bist, aber nicht unzusammenhängend. Lernen Sie das Handwerk und die Struktur sowie Ihre Wahrheit, so dass Ihre Lieder nicht nur für Sie, sondern für Tausende von Menschen von Bedeutung sind. Um sich als Künstler zu brechen und den Respekt von Industrie und Fans zu erlangen, muss Ihr Songwriting-Handwerk darüber hinausgehen. Niemals mit mittelmäßigen Songs im Radio vergleichen. Ihre müssen besser sein (vor allem, um Sie zu brechen). Sobald Sie an Glaubwürdigkeit gewonnen haben, sind Sie dabei. Aber nicht einen Moment zuvor.

2. Vocals, die abheben und liefern

Zu viele Platten gehen mit unterproduziertem Gesang aus. Es ist ein Problem in der unabhängigen Welt, vor allem, weil die meisten nichts über Vocal-Arranger wissen oder sie nicht einsetzen. Der Vocal Arranger ist dafür verantwortlich, dass der Gesang die Schallplatte liefert. Vocal Arranger sind eine Geheimwaffe der Branche und branchenreife Rekorde. Vocal-Arrangeure bauen die Dynamik des Vocal-Tracks auf. Sie entscheiden über die Phrasierung, die Aussprache, platzieren Ad-libs, Oos und Ahs und helfen dem Sänger dabei, 100-mal besser zu klingen, als sie denken, und ziehen ihren charakteristischen Sound heraus. Es gibt einen Industriestandard und ein großartiger Vocal-Arrangeur wird ihn liefern. Machen Sie keine weitere Aufnahme ohne eine. Erfahren Sie mehr über Vocal Arranger im Kurs Your Exceptional Record. Stellen Sie es sich so vor, Ihre Vocals verkaufen Ihre Schallplatte. Knabbern Sie nicht.

3. Produktion, die innovativ, relevant und verwurzelt ist

Außergewöhnliche Schallplatten haben einen Platz in der Musikgeschichte. Wenn Sie einen musikalischen Eindruck hinterlassen möchten, möchten Sie, dass Ihre Schallplattenproduktion für die aktuellen Ereignisse relevant ist und ihre Wurzeln in der Vergangenheit hat. Musik ist wie Mode mit Stilen, die sich ändern, verschmelzen und innovieren, aber nicht auf Kosten der Vergangenheitsbewältigung oder der Tatsache, dass man heute Menschen verliert. Zum Beispiel haben die meisten britischen Künstler ihre Wurzeln im amerikanischen Blues, aber auf moderne Weise. Alle echte Popmusik kommt von R & B, aber nicht von R & B von heute, R & B aus der Vergangenheit: Rhythmus und Blues. Ich muss diese pentatonischen Skalen lieben!

4. Broadcast Quality Mixing

Ihr Mix ist zweifellos das kritischste Element Ihrer Schallplatte, das den Industriestandard oder die „Sendequalität“ erfüllt. Ein Album, das auf einem Laptop oder einem Mischpult unter dem Standard abgemischt wurde, ist zwar gut (und macht Spaß), bietet jedoch keine Sendequalität. Dies bedeutet, dass die Klangqualität Ihrer Aufnahme Ihre Veröffentlichung beeinträchtigen kann. Ich empfehle zum Beispiel, auf einer Neve-Konsole oder einer Konsole nach dem neuesten Stand der Technik (oder einem virtuellen Äquivalent) zu mischen, um eine bestimmte Klangqualität zu erzielen (wie in Sound Citys Neve, in dem eine Vielzahl von Rockplatten, darunter Foo Fighters, aufgenommen wurden). Ich bin immer noch ein Purist und werde nicht einmal an weniger denken. Wenn Sie im Moment kein Bargeld haben, sparen Sie sich Ihren Cent für eine großartige Mischung. Wenn Ihr Produzent nicht über einen solchen Schreibtisch verfügt, bringen Sie ihn in ein Studio und bringen Sie Ihren Produzenten mit, oder beauftragen Sie einen separaten Mischtechniker. Aber lass dich nicht täuschen, es ist viel wichtiger als du denkst.

5. Mastering der Übertragungsqualität

Mastering ist ein entscheidendes Bindeglied zwischen Produktion und Konsum und setzt als solches technisches Wissen sowie eine spezifische Ästhetik voraus. Die Ergebnisse hängen weiterhin von der Genauigkeit der Lautsprechermonitore und der Hörumgebung ab. Mastering-Ingenieure müssen möglicherweise auch eine korrigierende Entzerrung und dynamische Komprimierung anwenden, um die Klangübersetzung auf allen Wiedergabesystemen zu optimieren. Einige Dinge, auf die Sie achten sollten, sind zu komprimiert (heute sehr beliebt). Eine der Möglichkeiten, die Sie erkennen können, besteht darin, die Lautstärke und die Lautstärke der Vocals zu reduzieren und die Gesamtlautstärke zu erhöhen. Dadurch wird die Verstärkung erhöht und der gesamte Mix lauter. Stellen Sie sicher, dass der Gesang beim Mastering nicht zu stark komprimiert wird.

Bist du bereit für das Studio?

Heute werden mehr Aufzeichnungen gemacht als jemals zuvor. Mit der Leichtigkeit der Technologie ist alles, was Sie (technisch) benötigen, ein iPad und Plugins. Für Musiker und Musikemacher, die ihre Kreativität, künstlerische Kontrolle und den Kampf gegen die großen Jungs verbessert haben.

Das Knifflige ist jedoch, dass es täuschend einfach ist, ein Album oder eine Single aufzunehmen. Das bedeutet jedoch nicht, dass Sie bereit sind. Und das heißt nicht, dass es die Koop fliegen wird. Es gibt einen Prozess, um Musik zu machen, der durch verfügbare Technologie behindert werden kann. Der Prozess des Honens des Materials, die Zusammenarbeit, die beruflichen Perspektiven und das Niveau der Fähigkeiten und Lieder, die unauslöschliche Spuren hinterlassen.

Der Schlüssel zu großartigen Aufnahmen sollte nicht ohne A-List-Songs beginnen. Die beste Produktion der Welt wird den Mangel an großartigem Material nicht ausgleichen. Der einzige Weg, um an das großartige Material zu kommen (abgesehen davon, dass Sie sich in einem Raum einschließen und erst dann herauskommen, wenn Sie eine Schallplatte haben und / oder mit Autoren zusammen schreiben, die besser sind als Sie), besteht darin, eine große Menge an Material zu schreiben. Das Schreiben einer großen Anzahl von Songs zur Auswahl (40-50 für ein Album oder 7-10 Songs für eine Single) ist nicht nur kritisch, sondern auch ein entscheidender Schritt, bevor man überhaupt in Betracht zieht, ins Aufnahmestudio zu gehen.

„Die einzige Möglichkeit, die Lücke zwischen Ihrem Aufenthaltsort und dem, an dem Sie sein möchten, zu schließen, besteht in einem großen Arbeitsvolumen“, sagt der berüchtigte, preisgekrönte Drehbuchautor Ira Glass.

Der Songauswahlprozess ist der Schlüssel hinter den Trefferaufzeichnungen. Dieser Prozess wird so hoch geschätzt, dass Plattenlabels früher ganze Abteilungen damit beschäftigt waren – es heißt A & R (Artist & Repertoire). Wir sind begeistert davon, denn es macht den Unterschied – ein gewaltiger Unterschied.

Hier ein kurzer Überblick über das Songwriting und die Auswahl der Songs:

Schreiben Sie Ihr Gesicht ab. Schreiben Sie so viel wie möglich in einem konzentrierten Zeitraum. Denken Sie daran, dass die meisten Aufzeichnungen 1 bis 2 Jahre benötigen, um das richtige Material zu finden. Schalten Sie alle Ablenkungen aus und planen Sie eine erhebliche Zeit zum Schreiben ein. Als ich The Circle of Fire schrieb, verbrachte ich 1 Jahr lang 7-10 Stunden am Tag, 5 Tage die Woche. Das war eine Überholspur (und ein Luxus.) Wenn Sie diese Zeit nicht haben, strecken Sie sie über 2 Jahre aus und schreiben Sie die Hälfte dieser Zeit. Oder nehmen Sie sich 3 Jahre Zeit, wenn Sie weniger Zeit haben. Fürchte dich nicht vor der Zeit, die du mit Schreiben verbringst – es ist eine Notwendigkeit. Adele hat 4 in ihrer letzten Platte aufgenommen, weil sie ein Kind hatte und nicht so viel Zeit hatte. Trotzdem hat sie den Prozess nicht beschleunigt. Sie weiß, wie wichtig es ist, das richtige Material zu haben.

Nehmen Sie großartige Demos von jedem Song auf (mit stimmigem und überzeugendem Gesang…). Mit Demoing können Sie jeden Song ausspülen, fertigstellen und in einer Reihe neben anderen Songs anhören. Dies ist Teil des Songauswahlprozesses. Und nimm dir immer Zeit, um deine Demos zum rocken zu bringen. Es ist das, was Ihr Produzent und Ihr innerer Kreis hören werden. Wenn Sie sich die Zeit nehmen, um sicher zu sein, dass die Demos auf dem neuesten Stand sind und noch mehr, um wirklich zu rocken, werden Sie sicher sein, dass Sie jedem Song den Titel neben dem anderen geben, den er verdient.

Wenn Sie eine Reihe von Songs gesammelt haben, stellen Sie eine private und vertrauliche Soundcloud zusammen und teilen Sie diese mit Ihrem „inneren Kreis“ von 5-7 Kritikern. Ihr innerer Kreis sollte sich aus Musikprofis zusammensetzen, deren Meinungen Sie respektieren und die ehrlich genug sind, um Ihnen die Wahrheit zu sagen (Freunde und Familie sind keine Kandidaten für den inneren Kreis). Wählen Sie die Top-Songs aus, die auf der ganzen Linie einstimmig gewählt werden.
Test Marketing. Sogar große Künstler testen ihr Material vor der Veröffentlichung. Sie möchten den Sprung nicht wagen, ohne die Temperatur zu testen. Künstler, die mutig genug sind, viel Feedback zu erhalten, machen bessere Platten – vielleicht sogar außergewöhnliche.

Test Nr. 2: Der richtige Produzent

Der nächste Schritt Ihres Lackmus-Tests besteht darin, zweifelsohne absolut sicher zu sein, dass Sie den richtigen Plattenproduzenten für Sie und Ihr Projekt haben.

Ich höre diese Geschichte oft. Ein Künstler arbeitet mit einem lokalen Produzenten oder einem befreundeten Empfehlungsschreiben zusammen, anstatt herauszufinden, wer der beste Produzent für sein Projekt und Budget ist. Als Ergebnis erhalten sie ein mittelmäßiges Projekt, in dem alles gezeigt wird, was der Produzent am besten kann, und nicht das, was Sie am besten können. Recherchiere. Beeil dich nicht Geben Sie sich nicht mit weniger zufrieden. Nehmen Sie nicht die billigste Option. Mach es richtig. Und das versteht sich von selbst, dass Sie NICHT Ihr eigenes Album produzieren? Sie brauchen objektive Ohren, um besser zu sein als Sie.

Test # 3: Ein klar definiertes Genre / Sound & Direction

Einer der größten Fehler, den Künstler während ihrer gesamten Karriere machen (von berühmt bis indisch), sind Entscheidungen über den Sound ihrer nächsten Platte. Ich habe Künstler gesehen, die eine Platte veröffentlicht haben, die einen Hit hatte und kurz davor stand, wirklich groß rauszukommen. Sie haben an Boden verloren, als sie auf ihrer zweiten Platte zu weit in eine andere Richtung gegangen sind und das Publikum verloren haben, das sie zu gewinnen begonnen haben.

Ich habe beobachtet, wie Indie-Künstler sich nicht wirklich mit ihrem Publikum verbanden, weil sie ihren Sound nicht genug definiert hatten und ihre Bemühungen fehlschlugen.

Verbringen Sie Zeit damit, den gewünschten Sound zu beschreiben (und wenn Sie ein ausreichend großes Publikum haben, vergessen Sie nicht, einen Teil des Sounds Ihrer vergangenen Erfolge durchzugehen.)